"Min femåriga dotter kommer att rita på samma sätt": hur man börjar förstå konst och vad du bör veta för detta

Vi behandlar alltid konstnärers eller skulptörers verk subjektivt, eftersom det inte finns några strikta krav på kreativitet. Konstkritikern Nikita Monich berättade för lyssnarna på Science Pulverizer-podden hur man lär sig att förstå konst och om man kan tro på stereotyper om kreatörers liv och arbete.

Måste en artist verkligen vara hungrig?

Komplext problem. Vi stöter på denna stereotyp väldigt ofta. Men låt oss ersätta ordet "konstnär" med namnet på ett annat yrke. Är det sant att en matematiker, en mekaniker, en minister eller en president ska leva i fattigdom? Om var och en av oss tänker på vår egen verksamhet kommer vi sannolikt att komma till slutsatsen: "Jag jobbar verkligen för att inte vara hungrig." Och konstnärer behandlar sina verk på samma sätt.

Det är också värt att förtydliga vad "professionell konstnär" betyder.

Men det händer att en målares verk får en värdig bedömning först efter hans död. Det finns många skapare som levde fattiga liv och dog oförstådda. Och de hade inte tid att se att deras målningar var efterfrågade. Därför tror konsthistoriker: om målarens verk har blivit högt värderade, kan han betraktas som en professionell som har gjort ett betydande bidrag till konsten.

En konstnär behöver förstås inte vara hungrig, men ibland tvingas han leva i fattigdom. Det händer att hans syn på världen, hans budskap som han försöker förmedla genom sina verk, inte får genklang hos dem som köper tavlorna. Detta händer ofta för innovatörer. Eller med dem som får erkännande endast under en kort period av sitt kreativa liv. Då förblir dessa mästare verkligen hungriga.

Men som tur är känner vi många konstnärersom var framgångsrika. De förstod mycket väl vad deras samtid behövde. Och de kan också lägga till en ny vision till traditionella metoder. Men de gjorde det i doser – så att samhället kunde acceptera deras innovativa beslut.

Sådant erkännande uppnåddes av Raphael, Rubens och senare av Marc Chagall, Salvador Dali, Pablo Picasso.

Men det finns andra exempel - säg Klimt och Schiele. Den första hade en lysande karriär och var den mest framgångsrika artisten i Wien. Den andra är hans elev. Han levde ett olyckligt kort liv och fick ett erkännande först i slutet.

Därför händer det att konstnärens motto blir frasen l'art pour l'art - "konst för konstens skull." Och pengarna måste tjäna annat. Detta är vad den berömda da Vinci gjorde till exempel.

Kan vi skilja artistlegender från fakta?

Låt oss fortsätta prata om Leonardo och titta på hans Mona Lisa. Det finns många legender kring denna berömda målning. Till exempel tror man att konstnären anlitade musiker för att modellen inte skulle bli uttråkad medan han ritade henne. Och Giocondas berömda leende dök upp just tack vare denna musik. Och i allmänhet målade konstnären bara flickans läppar i 12 år.

Det är svårt att skilja fakta från spekulationer här. Vi vet nästan ingenting om hur det faktiskt fungerade da Vinci och hans samtida. Ja, vi kan till exempel studera Leonardos dagböcker. Men att förstå hans anteckningar är inte en lätt uppgift.

Vi är bekanta med biografier om Leonardo och hans samtida från konstnärens och konstkritikerns Vasaris uppteckningar. Men vi vet inte hur exakt fakta återspeglas i dessa verk, som har blivit kanoniska.

Till exempel beskriver Vasari Mona Lisas ögonbryn. Men det finns inga ögonbryn på duken. Dessutom saknas de inte bara i den slutliga versionen. Under det yttre lagret, om du studerar bilden med hjälp av en röntgen, syns inte heller ögonbrynen. Det visar sig att Vasari antingen inte såg den här bilden själv och "Rabinovich sjöng" för honom, eller så såg han den, men skrev om den från minnet och tog fel.

Men det finns också fakta som vi är säkra på. Leonardo skrev La Gioconda under mycket lång tid och behandlade den med speciella känslor. Han började arbeta efter att ha fått ordern 1467. Sedan gav han aldrig tavlan till kunden och tog den med sig länge. Efter 40 år återvände Leonardo till jobbet. Kanske lade han bara till några få slag - även med hjälp av röntgen kan vi inte säga exakt vilket år varje enskild stroke applicerades. Men vi vet att konstnären färdigställde målningen många år efter att arbetet påbörjades.

Vilka tecknar konstnärer egentligen i sina porträtt?

Det verkar som att svaret är uppenbart: de som fungerar som förebilder för dem. Men om vi pratar om Mona Lisa kan man höra många spekulationer om vem Leonardo egentligen ville gestalta. Vissa tror det själv. Eller till och med Kristus.

Faktum är att det inte är särskilt viktigt vem som fungerade som modell för bilden. Ofta är ett porträtt bara en bild. Låt oss säga att personen på duken är väldigt lik den som poserade. Men varje målning är också ett porträtt av konstnären själv. Men inte för att han alltid målar upp sitt utseende.

Det är inte formen som är viktig här utan innehållet. Det vill säga budskapet, den mening som konstnären lägger i vart och ett av sina verk. Och detta meddelande beror helt på skaparen.

Vilken roll spelade kvinnor i klassisk konst?

De blev ofta musor för kreatörer. Men de kunde sällan få en klassisk utbildning själva och bli konstnärer.

Detta är en av anledningarna till begränsningen. Varje målning eller skulptur är ett sensoriskt föremål. Kreativitet har alltid förknippats med sexualitet. Detta är till stor del sublimering, det vill säga riktningen för sensorisk energi i en annan, kreativ riktning. Och det vet vi konstnärerDe som skapade klassisk konst målade ofta nakna kvinnofigurer. För detta ändamål poserade modeller för dem.

Men under de senaste århundradena var det omöjligt att ens tänka på en flicka som ritade en naken man. Hon kunde inte ens vara i samma rum med honom.

Men det betyder inte att kvinnor inte har påverkat konsten på något sätt. Tvärtom, utan dem hade det knappast nått en hög nivå.

Nyligen gjorde Pradomuseet projekt El Prado en femenino. Dess skapare gjorde en video där alla målningar som kvinnan beställde, köpte eller gjorde till en del av kvinnans samling försvann från museets väggar. Och som ett resultat försvann nästan alla huvudmästerverk från museets salar i videon.

Kan en vanlig människa, och inte en specialist, förstå samtidskonst?

Varje målning, skulptur, verk av dekorativ och tillämpad konst, melodi är ett budskap. Och den sänds på något språk. Det betyder att för att dechiffrera det här meddelandet måste du känna till språket som det överförs på.

När en person ser några personer eller föremål på en bild verkar det ofta för honom som om allt är klart. Tittaren kanske tänker: det här är en realistiskt tecknad vacker kvinna - vad är oklart med det? Men han ser inte allegorierna, vet inte vilken berättelse som är krypterad i bilden, känner inte igen de litterära citaten som är förknippade med den. Om han ser helgon kanske han inte vet vad de är kända för, vad deras attribut är ritade bredvid eller varför dessa attribut behövdes. Och i slutändan förstår han inte budskapet som konstnären ville förmedla.

Men personen avslutar: ”Jag förstår det här, för det finns folk här. Men här finns det bara fläckar, min femåriga dotter kommer att rita på samma sätt - jag förstår inte."

Men för att ett förhållande ska uppstå måste du förstå exakt vad du fick höra. Om frasen låter på en främlings språk språk - till exempel på vietnamesiska eller ungerska - han kommer inte att uppfatta någonting. Och han kommer inte att få beskedet, även om det är oerhört viktigt och kan förändra hans liv.

Vi drar slutsatsen: att förstå konst betyder att väl kunna det språk som konstnären talar. Om du inte förstår det här språket kommer det att vara omöjligt att höra artisten.

Hur man lär sig att förstå konst

Det är värt att förstå exakt vad du gillar och resonerar med. För att göra detta måste du prova olika saker. Det är som med produkter: du kan jämföra flera typer av juice, och sedan bestämma dig för att du fortfarande gillar öl bättre. Men först måste du prova varje drink.

Om du har börjat bekanta dig med konst, kom ihåg två regler:

1. Intresset för bilden börjar med den andra visningen. Om du vill titta på den igen betyder det att det ligger något i den.
2. Var inte rädd för spoilers. Innan du går till museet kan du läsa om det. Och titta på de 20–30 mästerverk som finns lagrade där. De är lätta att hitta till exempel på plattformen Google Arts&Culture.

Först är det bara att titta på bilderna, bläddra igenom sidorna - i det första skedet räcker detta. Öppna samtidigt i nya flikar de dukar som fångade din uppmärksamhet. Titta sedan på dessa verk igen, läs om dem.

Senare, när du går till museet, gå direkt till de målningar som intresserar dig. Det vill säga till redan bekanta dukar. Detta är nödvändigt för att du inte ska slösa bort din mest värdefulla resurs - uppmärksamhet.

Titta därför bara på vad du har planerat i förväg. Och försök sedan peka ut tre verk från allt du såg:

1. Det du gillade mest.
2. Det du inte gillade mest.
3. Det du tyckte var mest konstigt.

Ta sedan din smartphone och slå på den larmså att det ringer om fem minuter. Det är väldigt viktigt att inte titta på skärmen hela tiden, så låt det vara en väckarklocka, inte en timer. Och prata med den valda bilden i fem minuter. Se till att tala högt, bara tyst - du är fortfarande på ett museum. Tala i genomsnittlig takt, utan upprepningar. Fortsätt tills larmet ljuder.

Tja, om du upprepar denna teknik varje gång du besöker en ny utställning, kommer du med tiden att ackumulera perceptuell erfarenhet. Och du kommer att kunna tolka konst bättre.