Hur filmskapare hjälper tittarna att älska sina filmer

Ofta, när man diskuterar film, pratar folk om handlingen och skådespelet. Naturligtvis är dessa viktiga komponenter i vilken film som helst. Men det händer så att du inte kan ta ögonen från någon bild, även om handlingen utvecklas mycket långsamt, och en annan historia blir snabbt tråkig trots de många händelserna. Vissa författare lyckas få tittaren att tro på de mest fantastiska vändningarna, medan andra gör till och med verkliga situationer som leksaker. Och det är bara trevligt att titta på några band, medan andra är hårda.

Saken är att förutom handlingen och skådespelarna finns det många intressanta tekniska knep med hjälp av vilka regissörer som hjälper tittaren att känna handlingen och njuta av det som händer på skärmen. Dessa finesser kanske inte ens märks, men de påverkar fortfarande uppfattningen av bilden.

Färgspektrum

Det första man ska märka är att färgerna i filmerna ofta inte är desamma som i verkligheten. Det kan vara ganska uppenbart (till exempel om bilden är svartvitt), eller om du inte inser det direkt. Men det är ingen slump.

Skapa atmosfär

Med hjälp av färger kan du bättre förmedla atmosfären av det som händer, skapa en stämning i betraktaren och till och med visa karaktärerna hos själva karaktärerna.

Ta till exempel den populära franchisen “X-Men». I huvudserien av filmer liknar den ljusa och rika bilden serier. Och i motsats till dem i noir "Logan", där de pratar om hjältens ålderdom och trötthet, väljs blekare toner.

I filmen "Mad Max: Fury Road" äger det mesta på sig i ett hett ökenområde. Det är logiskt att bilden togs i gul-orange nyanser, vilket får dig att känna den brännande solen och torrheten.

För tydlighetens skull kan du ta en ram och ändra färgschemat. Det verkar omedelbart att det har blivit kallare.

För att skapa en kontrasterande bild görs moderna storfilmer och i allmänhet massbios mer blå och orange.

Och här är den berömda Wes Anderson älskar en mjuk rosa palett. Det ger tittaren känslan av en gammal romantisk film. Och allt som händer uppfattas lugnare och lättare.

När de vill skapa en atmosfär för framtiden och fantasin blir de också ofta blåa. Och de älskar särskilt neonfärger, som är fast kopplade i tittarens huvud med cyberpunk och teknik.

Det behöver inte sägas att författarna skräckfilmer föredrar mörka färger. Det finns flera orsaker till detta. Naturligtvis är detta delvis ett sätt att pumpa atmosfären. Många människor är redan rädda för mörkret, och i skräckfilmer gömmer sig också monster i det.

Dessutom gör en mörk bild att du kan dölja brister i grafik eller smink och spara på produktionen. Det är sant att det finns en fara i detta: om du mörknar ramen för mycket kan tittaren helt enkelt inte se vad som händer på skärmen, särskilt i en dålig biograf eller på en gammal TV. Till exempel var detta fallet i filmen Slenderman från 2018.

Även om vissa originalregissörer kan spela i kontrast. Till exempel Ari Astaire i “Solstånd”Visade den typiska atmosfären i en skräckfilm: hjältarna befinner sig i en isolerad by, där hemska saker händer.

Men samtidigt är bilden väldigt ljus, det finns nästan inga mörka scener i den och hjältarnas kläder är snövit. Och detta gör det ännu mer hemskt, för det finns ingenstans att gömma sig för skräck.

Separera tomter

En film kan ha flera olika färgfilter. De används för att skilja historier tydligare. Och med rätt talang hjälper detta tillvägagångssätt att göra bilden ljusare.

Ett bra exempel är “Matris». Logotypen för detta band gjordes med gröna kodsymboler som betecknar det program där människor bor. Det är därför allt som händer i den virtuella världen filmades genom ett grönaktigt filter. Och verkliga händelser visas i blått.

Och först i slutet av den tredje delen, när människor och maskiner har ingått ett fredsavtal, visas rena blå och gröna färger samtidigt i ramen.

I film Christopher Nolan "Början" karaktärer flyttar från den verkliga världen till en dröm, sedan till en dröm i en dröm, och så vidare. För att tydligare separera "lager" valde regissören sitt eget färgschema för var och en av dem.

På den första sömnnivån filmas allt i en blå palett, den andra är gul, den tredje är vit. Och först i den sista drömmen samlas alla nyanser igen, som i den verkliga världen.

I Blade Runner 2049 Denis Villeneuve olika färger speglade både huvudpersonens läge och inre tillstånd.

Allt börjar med Ryan Goslings karaktär som vandrar i dimman, sedan passerar han genom en varm orange öken, neonfuturism och en nattflod. Och berättelsen slutar på en snövit bakgrund, vilket återspeglar lugn och rening.

Vägran av färg

Det var en gång alla filmer svartvitt. Helt enkelt för att de inte visste hur man skulle skjuta på annat sätt och det var möjligt att färga ramarna bara manuellt. Då kom färgfilmer och film blev mycket mer realistisk.

Men samtidigt är svartvitt fotografering inte helt ett förflutet. De används fortfarande för konstnärliga ändamål. Till exempel för att avgränsa olika världar eller berättelser.

Således visas i The Wizard of Oz 1939 färg när Dolly går in i fevärlden.

I "Stalker" av Andrey Tarkovsky saknas färger också i hjältarnas vanliga liv. Och när karaktärerna befinner sig i den mystiska "Zonen" blir världen ljus - det är här som människor verkligen avslöjar sig.

Eller likväl Christopher Nolan i bandet "Kom ihåg" visade en del av åtgärden i direkt ordning, och den andra - tvärtom. Därför är hälften av filmen inspelad i färg och den andra i svartvitt.

Dessutom kan du med en svartvit bild markera vissa detaljer tydligare genom att helt enkelt lägga till färg på dem. För första gången gjorde Sergei Eisenstein detta när han målade flaggan manuellt i Slagskeppet Potemkin 1925.

Därefter användes denna teknik i helt andra genrer. I "Schindlers lista" Steven Spielberg utseendet på en flicka i en röd kappa blir en av de mest känslomässiga stunderna.

Och även i seriefilmen Sin City används detta tillvägagångssätt upprepade gånger, med tonvikt på rött läppstift, ljusa ögon eller blod.

Ramkonstruktion

Regel av tredjedelar

En av de grundläggande principerna för både film och fotografi. Detta är ungefär som en förenklad regel för "gyllene förhållandet".

Det är enkelt: när du fotograferar är skärmen uppdelad i tre delar vertikalt och horisontellt. De viktigaste elementen för tomten bör placeras på dessa linjer, liksom vid deras korsning. Detta gör det lättare för tittaren att fokusera på önskade punkter.

Placera i en kvadrat

Om du vill dela ramen i hälften eller i fyra lika delar, kan du få tittaren att förstå utan ord vilken plats karaktären upptar i berättelsen.

Denna teknik syns tydligast på bandet "Drive" Nicholas Winding Refna. Till exempel, om huvudkaraktärens ansikte visas i det övre vänstra hörnet, och i nästa ram visas ett annat tecken på samma plats, så är detta ett tips om att karaktärerna kommer att vara rivaler.

Dessutom kan samma Refn berätta två berättelser parallellt: i övre och nedre delen av skärmen eller i vänstra och högra halvan. Betraktaren kanske inte märker detta drag, men ändå uppfattningen av karaktärerna kommer att vara mer fullständig. Dessutom är det bara vackert.

Symmetri

En annan psykologisk och estetisk teknik samtidigt. Ofta görs bilder där den vänstra halvan återspeglar den högra halvan bara för skönhet.

Men ibland förmedlar de karaktärernas motstånd. Och om hjälten ser i spegeln kommer den att visa sin mörka sida eller skillnaden mellan drömmar och verklighet. Med ett ord, alla allegorier som man kan tänka sig för reflektioner.

Holländska hörnet

För att visa huvudstabiliteten hjälte, hans tvivel om något eller minnesproblem, använder en mycket visuell teknik. Holländsk vinkel innebär att kameran inte skjuter rakt utan lutar. Många exempel på detta tillvägagångssätt finns i filmerna av Danny Boyle.

Det är ovanligt att tittaren tittar på bilden från en vinkel, så att han bättre uppfattar karaktärens obekväma tillstånd.

Det är dock viktigt att följa åtgärden här. Till exempel filmades den katastrofala filmen "Battlefield: Earth" helt i en vinkel. Men om en och en halv timme kommer tittaren sannolikt bara att ha ont i nacken.

Fotografering underifrån och uppifrån

En annan av de enkla men effektiva teknikerna som låter dig förmedla hjältarnas självkänsla. Så du kan till exempel visa vem som är situationens mästare. Och sedan kommer banden omedelbart att tänka på Quentin Tarantinodär karaktärerna ser ner i bagageutrymmet.

Och att skjuta uppifrån får dig att känna att hjälten känner sig osäker. Här är hur roligt de spelade det i den berömda scenen från filmen "What Men Talk About", där karaktären av Kamil Larin, som ett barn, gör ursäkter för dörrvakten i en dyr restaurang:

Dialog och rörelse

Bakgrundshandling

En teknik som oftast används i komedi eller skräck. I förgrunden händer inget intressant. Och alla de viktigaste utvecklas mot bakgrunden, som kan mörka eller suddas ut.

Till exempel, huvudpersonen i filmen “Zombie heter Sean"går till affären. Allt är mycket vardagligt för honom. Och i bakgrunden finns det en riktig apokalyps:

Beroende på genre och presentation kan detta skapa antingen en mycket rolig effekt eller spänning - i skräckfilmer är de främsta skrikarna ofta dolda.

Konversationer i rörelse

Den vanligaste typen av dialog i filmer är att karaktärer sitter och chattar. I det här fallet växlar kameran traditionellt mellan ansikten.

Men om scenen blir för lång, då visare bli trött på den ständiga upprepningen av samma vinklar. Därför kompletterar eller ändrar bra regissörer inställningen för sådana scener.

Så i Quentin Tarantinos filmer talar karaktärerna nästan konstant. Men befälhavaren låter dig inte bli uttråkad, för dialoger kan äga rum under körning. På grund av den ständigt föränderliga bakgrunden verkar inte åtgärden monotont.

Och även om karaktärerna är i samma rum byter kameran inte bara. Hon kan röra sig runt dem och skapa effekten av närvaro och till och med deltagande i konversationen. Nästan alla karaktärer kan ses utan onödig redigering.

Nicholas Winding Refn lyckas använda det redan nämnda spelet med färg och reflektion i enkla samtal. I Drive verkar huvudpersonernas första dialog se väldigt enkel ut.

Men samtidigt karaktären Ryan Gosling har alltid en blå bakgrund (det här färgschemat följer honom genom hela filmen). Och hjältinnan Carey Mulligan står vid de orange väggarna. Och detta visar att något skiljer dem, även om de är nära.

180 graders regeln

Det finns ytterligare en viktig punkt under filmen. Om du flyttar kameran mer än 180 grader när du ändrar vinkeln blir betraktaren förvirrad. Till exempel när hjälten springer, ser det ut som att han har vänt sig och rör sig i motsatt riktning.

Och detta är lika viktigt även under dialoger. För att inte skapa intryck av att alla i ramen har rört sig plötsligt väljer operatören och regissören en viss linje utöver vilken kameran inte ska gå.

Det är konstigt att en avsiktlig överträdelse av denna regel kan användas för att förvirra betraktaren, för att visa hjältens förvirring. Och med vederbörlig fantasi skapar författarna mer ovanliga scener. Till exempel en konversation Gollum Med mig själv. Karaktären visas helt enkelt från olika sidor, men detta skapar effekten att det finns två talare och att de är i dialog.

Installationsfunktioner

Redigering gör att du kan göra filmen mer dynamisk, "hoppa över" de tråkiga ögonblicken och låta dig titta på vad som händer från olika synvinklar. Dess enklaste form är berättande. Det vill säga händelserna i ramen inträffar efter varandra. Detta förklaras tydligast i The Man from Boulevard des Capuchins.

Men du kan visa filmens händelser på ett annat sätt, och för detta använder de olika tekniker.

Parallell installation

Till skillnad från sekventiell berättande vill ibland författare att publiken ska se vad som händer samtidigt på olika platser. Och då direktörer se parallellkoppling.

Detta gör handlingen mer händelserik. Men försiktighet behövs. När allt kommer omkring, om du i tur och ordning visar scenerna som inträffar samtidigt, kan du få intrycket att var och en av dem varar längre.

Ett slående exempel på misslyckad parallell redigering är "Furious-6". Hjältarna försöker fly på ett flygplan som kör längs landningsbanan, bilar jagar dem och en strid äger rum inuti fodret.

Författarna visar så många händelser samtidigt att planet på skärmen verkar accelerera i minst 15 minuter. Det behöver inte sägas att detta dödar all realism i situationen?

Christopher Nolan, å andra sidan, anses allmänt som en mästare i parallell redigering. Regissören använder det i många av sina verk, men början är det bästa exemplet. Händelser på olika nivåer av sömn inträffar samtidigt och i olika takt (vid djupare sömn rör sig tiden långsammare).

Här läggs den redan nämnda färgseparationen till handlingen och betraktaren blir inte förvirrad i det som händer utan inser hela händelsernas globalitet.

Förresten är det intressant att Nolan i filmen "Dunkirk" är ännu mer kvick med denna teknik. Det visar parallellt händelserna som sker på land, i vatten och i luften. Faktum är att kronologin är helt annorlunda och allt konvergerar bara i finalen.

Flashbacks och Flash Forwards

Ibland bäddar författarna in sina minnen från det förflutna - flashbacks - i karaktärernas linjära berättelse. Dessa kan vara mycket korta blinkningar på några sekunder eller hela berättelser.

En stor älskare av sådana stunder - Jean-Marc Vallee. Således tillför han spänning till de till synes lugna scenerna. Eller så gör han det klart att karaktären bedrar någon: han säger en sak, men något helt annat dyker upp i hans minnen.

Det är inte svårt att gissa att flashforwards är samma historier, men från framtiden. De används mindre ofta, vanligtvis i science fiction eller mystiska berättelser. På en sådan teknik byggdes till och med en hel serie, där varje person under en viss förmörkelse såg ett ögonblick från sin framtiden.

Och vidare längs planen försöker alla ta reda på orsakerna till vad som hände och förstå innebörden av deras visioner. Serien heter så: Flashforward (i ryska översättning - "Kom ihåg vad som kommer att hända"). Det var sant att han bara varade en säsong.

Jump-cut

Denna teknik gäller redan för linjär redigering. Det betyder en skarp övergång mellan skott. De använder den för helt andra ändamål.

I Frank Oz's Little Shop of Horrors hjälper en sådan montage att visa den långa och tråkiga tiden.

Men Lars von Trier, som också ofta använder jump-cut i sina verk, förmedlar karaktärernas emotionella stress och psykologiska instabilitet på detta sätt. Att skjuta så här gör bilden mer "nervös". I "Idiots" -bandet är detta mycket lämpligt:

Redigering i form och ljud

För att olika händelser som visas i filmen ska uppfattas som en fortsättning på varandra använder författarna ofta visuella tillfälligheter. Det vill säga konturerna av något objekt i en ram upprepas i nästa. Och ibland kan det se väldigt kvick ut.

På samma sätt kan du "koppla" tittaren med ljud. Skriket fortsätter med ångfiskarens visselpipa och det industriella mullret byts ut musik samma takt. Eller sisset från ett skadat rör förvandlas till ett knakande rostkött.

Dessutom kan ljudet ligga något framför eller bakom det som visas på skärmen. Detta görs för att göra scenerna mer kopplade. Det vill säga att tittaren fortfarande hör tal och prasslar från föregående ram, men åtgärden har redan förändrats. Eller tvärtom.

Brist på installation

Det här är ett djärvt drag: regissörer skjuter långa scener utan att redigera alls, eller de gömmer det på olika sätt.

Detta gör det som händer på skärmen mer realistiskt, ger tittaren en känsla av själva berättelsens takt. Men naturligtvis kräver detta tillvägagångssätt mycket mer repetition och investeringar. När allt kommer omkring, under bearbetning, kan du klippa ut misslyckade små saker.

Så, Joe Wright i filmen "Atonement" visade en fem minuters scen med evakuering av trupper från Dunkirk under Andra världskriget. I publiken var 1300 personer inblandade, med utrustning som rörde sig i ramen och explosioner inträffade i bakgrunden. Det är detta tillvägagångssätt som förmedlar allt dyster och kaos i det som händer.

Modern teknik gör det möjligt att hantera installationen mer exakt. Och det hjälpte Alejandro Gonzalez Iñárrit att skjuta Birdman. I det märker du inte ens omedelbart att hela åtgärden visas i en kontinuerlig ram.

Faktum är att montagen är där, men dold. Lim görs när kameran passerar genom något mörkt element.

Och den "ryska arken" av Alexander Sokurov ser ännu starkare ut. Handlingen äger rum i Eremitaget och regissören fick en dag för filmning. Därför bestämde han sig för att skjuta bilden utan limning.

Det tog sju månaders repetitioner med 800 extra. Som ett resultat sköt de från den tredje tagningen en hel film med en varaktighet av 1 timme och 27 minuter.

---

Faktum är att det finns mycket fler sådana finesser. Men många av dem kräver redan djup kunskap om regi och film. Dessa är bara enkla exempel som kan ses i många filmer. Och när du tittar på nästa bild kommer du säkert att träffas av det "holländska hörnet" eller en lång ram utan att redigera. Men det kommer inte att bryta magin filmkonsttvärtom kommer det att göra visningen ännu mer intressant.